Elsa Gomis tiene actualmente diez años. Tras cuatro años de formación en el Conservatorio del Liceo de Barcelona, cursa hoy el primer curso de Piano Profesional en el Conservatorio de Música de Barcelona. Su progreso ha sido constante y notable: este año ha obtenido el primer premio de Técnica Pianística en el citado centro, un reconocimiento que habla tanto de su talento como de la dedicación que sostiene su aprendizaje.
A su edad, entregarse a la música implica algo más que estudiar un instrumento. Significa crecer en un territorio donde la disciplina convive con la imaginación, donde las horas de estudio se entrelazan con la curiosidad propia de la infancia. Para Elsa, la música es una forma de estar en el mundo: un espacio donde descubre su sensibilidad, su capacidad de esfuerzo y un camino por el que andar. En esa mezcla de juego, rigor y descubrimiento se forjan muchas de las grandes vocaciones artísticas.
Hoy comparte con nosotros su opinión y, además, su interpretación del primer movimiento de la Sonata en Sol mayor, op. 37 n.º 2, del pianista y compositor italiano Muzio Clementi. La grabación corresponde al recital celebrado el pasado 7 de marzo en el Conservatorio de Música de Barcelona, donde Elsa ofreció esta obra ante el público con la naturalidad y la concentración que caracterizan a los jóvenes músicos que empiezan a encontrar su camino.
En cada época convulsa aparecen creadores que, lejos de adaptarse dócilmente al ruido del mundo, deciden caminar en sentido contrario. No por rebeldía gratuita, sino porque su sensibilidad les impide aceptar la superficialidad como norma. Un genio —en el sentido más humano y menos mitificado del término— es alguien que escucha más hondo, que percibe las grietas de su tiempo y las transforma en lenguaje. En una sociedad acelerada, impersonal y cada vez más desconectada de lo esencial, estos creadores parecen ir a contracorriente. Pero, en realidad, son ellos quienes mantienen vivo el pulso de lo auténtico.
Ernest Artal pertenece a esa estirpe. La obra de este compositor y director de orquesta, lejos de buscar artificios, se sostiene sobre una convicción profunda: la música es un acto de verdad emocional, un puente directo hacia aquello que no sabemos decir con palabras.
A mi modesto entender, no compone para impresionar, sino para conmover; no busca la complejidad, sino la claridad expresiva que permite al oyente la introspección en lo que escucha.
Incluso quienes no dominan el lenguaje musical perciben esa cualidad. La música de Artal no exige conocimientos previos: exige sensibilidad, y eso todos lo llevamos dentro. Sus piezas suelen abrir un espacio íntimo, es música que llega al fondo, aunque uno solo alcance la “primera fase” del conocimiento técnico. Porque lo esencial no está en la teoría, sino en la resonancia interior.
La pieza "El llanto", disponible en YouTube, es un ejemplo perfecto de esa poética. Interpretada por Marta Encarnación al violín y Luis Giner al piano, fue presentada en la Sala Alfonso el Magnánimo de Valencia en 2022.
Aunque hoy se presenta como obra independiente, Ernest Artal concibe "El llanto" como el segundo movimiento de un futuro concierto para violín y orquesta, cuyo primer y tercer movimiento ya imagina y proyecta. La semilla de esta música está en una poesía que él mismo escribió hace años, un texto donde expresaba su preocupación por un mundo que avanza por senderos cada vez más caóticos, impersonales y deshumanizados.
Esa visión se escucha en cada compás. "El llanto" no es un lamento derrotado, sino un llanto lúcido, un desahogo que reconoce la herida pero también la transforma. El violín se convierte en voz humana: frágil, quebrada a veces, pero profundamente honesta. El piano sostiene, acompaña, abraza. Hay momentos de desolación, sí, pero también destellos de esperanza, como si la música recordara que incluso en medio del caos persiste una chispa de belleza que merece ser salvada.
Ramón Alfil
Estoy en el punto y coma de la vida, estoy en lo mejor de lo peor. Como soy un error del sistema, no tengo redes sociales.
Chet Baker está enterrado en el cementerio Inglewood Park, localizado en Inglewood (California)
Una sencilla lápida en una sepultura, compartida junto a su padre, en el cementerio Inglewood Park en Inglewood (California) señala que allí se encuentran los restos de Chet Baker, trompetista, cantante y músico de jazz estadounidense.
Aunque falleció en Ámsterdam tras caer desde una ventana del Hotel Prins Hendrik, su cuerpo fue trasladado de regreso a Estados Unidos para su entierro.
Entre su extensa discografía me quedo con Almost Blue, un pilar del jazz lento y nostálgico, con sus silencios, trompeta pausada y una voz que raya el susurro. La tengo entre mis preferencias jazzísticas.
"Almost Blue tuvo una excelente recepción por parte de la crítica musical . Beckett, escribiendo para la revista Stylus, la calificó como el 'paso más grande' que el cantante dio con Imperial Bedroom . Continuó: 'Es una de las canciones más potentes del álbum. Posee una cualidad inquietante que nunca antes había estado presente en la obra de Elvis Costello'. Imperial Bedroom fue considerado uno de los 100 mejores álbumes de la década de 1980 y uno de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos por la revista Rolling Stone".
Ramón Alfil
Estoy en el punto y coma de la vida, estoy en lo mejor de lo peor. Como soy un error del sistema, no tengo redes sociales.
Algunas de mis debilidades: escribir, leer, el maestro Larra, Beethoven, el mar, la cartomagia, este blog y muchas más...
Mi mesa, diminuta y cercana al escenario, estaba cubierta con un mantel y sobre ella una lámpara que emitía una luz tenue amarillenta, un vaso de whisky y un cenicero sucio. Me pregunté si alguna vez habría sido ocupada por algún gánster de Chicago.
En el ambiente de aquel club, cargado de humo, se percibía un murmullo de expectación porque tan sólo faltaban unos minutos para que saliera al escenario "El duque del jazz".
Iba a tener a escasos metros a Duke Ellington, con ese porte impecable que originaba por sí solo una imponentee admiración. Nervioso, dibuje en el aire unos círculos con el humo de mi cigarro y tomé mi primer trago de whisky para atenuar con su aroma el olor a perfume barato que venia desde la mesa contigua.
Apareció Duke con un traje gris claro, puso sus manos sobre el piano y se tuvo la sensación de que el tiempo se detenía en una atmósfera emocional que impresionaba. Con un simple gesto coordinó a los músicos de la banda. Sonó "Mood Indigo" y mi corazón se ralentizó, me sentía viajando en una nube, sensación que solo los que aman el jazz pueden comprender.
En el recién caducado año 2025 se han quitado la coleta dos puristas: Joaquín Sabina y Morante de la Puebla, cada uno en su ámbito artístico. Y digo "se han quitado" y no "se han cortado" porque deseo volver a ver al torero en los ruedos y al poeta cantautor, al menos, grabando un nuevo disco.
Madrid, su habitat natural; el Atleti, su manera de sufrir; el desamor; la bohemia; la nostalgia o alguna pincelada taurina, entre otras, han sido materias presentes en sus canciones. De esta última, cabe destacar la que para el inconformista músico es su mejor canción, "De Purísima y Oro".
Joaquín Sabina destaca este tema sobre cientos que compuso o cantó porque su carga emotiva hizo llorar, sentimiento que rara vez expresaron en público, a dos grandes letristas y amigos: Javier Krahe y Joan Manuel Serrat.
"De Purísima y Oro" conlleva belleza, melancolía y la amargura de una sociedad que vivía una época de posguerra plagada de dificultades, hambre y restricciones. Entre sus fragmentos saca a relucir a una figura simbólica de los 40, Manolete, más que como torero, como icono de las secuelas de una guerra "incivil".
Seguramente se habrán percatado que en redes sociales circula, a modo de meme, una afirmación de Friedrich Nietzsche que versa: “Sin música, la vida sería un error”. Más allá de la banalidad de la circulación de esta frase, lo que allí se está estableciendo es la diferencia de cualquier otro ser en la naturaleza como el único que es capaz de crear obras de arte, y dentro de esa creación, la música ocupa un lugar privilegiado y fundamental. Si la vida sin arte sería una existencia despojada de su máxima expresión, la vida sin música sería, para Nietzsche, un vacío insalvable. Esta cita no es una mera hipérbole, sino una tesis ontológica que eleva la música al rango de fuerza primordial, un pilar sobre el cual se sostiene la experiencia humana. Pues bien, en esta reflexión intentaremos explorar la centralidad que tiene la música en la filosofía, la conectaremos con pensadores que la han abordado desde diversas perspectivas y la confrontaremos con la degeneración de la creación sonora en la época detestable llamada postmodernidad, un síntoma de un error vital que la música, en su esencia, debería contrarrestar.
Tengamos en cuenta que, para Nietzsche, el lenguaje y la razón, a menudo reductores, intentan encapsular la vastedad de la existencia en conceptos rígidos. La música, en cambio, opera en un plano distinto. Es el lenguaje de la voluntad misma. En su obra “El nacimiento de la tragedia”, Nietzsche sostiene que “el lenguaje de la música es anterior al concepto”, y en una carta a su amigo y confesor Peter Gast en 1877 expresó que “la vida sin la música es sencillamente un error, una fatiga, un exilio”. Esta idea nos indica que la música, al ser un lenguaje de la voluntad, nos permite acceder a la realidad de una manera más directa y auténtica.
Esta perspectiva se entrelaza directamente con la de Arthur Schopenhauer, mentor intelectual de Nietzsche. En su obra titulada “El mundo como voluntad y representación”, Schopenhauer eleva la música por encima de todas las demás artes, argumentando que no es una copia de las ideas del mundo, sino un reflejo directo de la voluntad misma. De hecho, llegó a afirmar allí que “la música no es en absoluto, como las demás artes, una copia de las Ideas, sino una copia de la voluntad misma”, confirmando con ello que la melodía expresa el constante fluir de la voluntad, con sus anhelos insatisfechos y sus penas inherentes, convirtiéndose así en una forma de conocimiento metafísico.
En ocasiones, es posible que busques una música calmada que te abstraiga en lo posible del remolino diario o del desencanto, pues la existencia se pone cada vez más cuesta arriba. Ayer descubrí a Alexis Ffrench (sí, con dos efes iniciales), un compositor nacido en 1970 en Surrey, Inglaterra.
A los cuatro años improvisaba en el piano, con solo siete años ya participaba como organista de iglesia y debutó en concierto a los once en la Royal Academy of Music de Londres.
Su música es, como he dado a entender, sosegada. Piano y cuerdas forman una amalgama que te acaba enfundando en un ambiente tranquilo.
El prestigioso The Times elogió al compositor con esta declaración: "Si una sola persona personifica el nuevo impulso hacia una música clásica más diversa, ecléctica y sencilla, ese es Alexis Ffrench. Como pianista y compositor, crea música tonal que cautiva a los recién llegados con su delicadeza y belleza, pero también tiene suficientes guiños medio ocultos a Chopin, Debussy, Satie y otras figuras históricas para mantener el interés de los entendidos".
Si buscas un momento de sosiego, no te lo pierdas. Queda dicho.
Clic en la foto para ampliar y ver con más detalle / fotosymar_adl
Es contrario a la razón estar a
las 6:30 horas en la cama cuando hay un día pidiendo paso en el mar. Hay un
intervalo de silencio y quietud en el que empiezan a combinar los anaranjados y
azules que obligan a dilatar las pupilas de manera natural.
Es un cofre lleno de oro que nos
hace sentir que ya vale la pena el día que uno va a pasar. Gracias.
Ramón Alfil
Foto: Ramón Alfil. Oropesa del Mar (Castellón) - fotosymar_adl
Vídeo: Madame Butterfly. Coro a boca cerrada. Giacomo Puccini
En una búsqueda reciente por la red encontré casualmente a Jacopo Sipari di Pescasseroli, un director de orquesta que me ha llamado la atención por su juventud. Acostumbrado a los directores con muchos años en barrica me contuvo detenerme en el vídeo que acompaña a estas líneas para probar este vino joven.
Me ha encadenado su expresividad, su contundencia con la batuta y la capacidad de manifestar los suaves vaivenes y la energía del segundo movimiento de la Sinfonía n.º 5 en mi menor, Op. 64 de Tchaikovsky, una obra explosiva en algunos de sus compases que parece hecha para un poderoso Jacopo Sipari.
Admirable en su línea personalísima, ya está entre mis predilectos. Dirigiendo una sinfonía del genio Beethoven o un réquiem puede ser toda una exhibición de viveza de sentimientos. Lo dejamos para otra entrada.
Ramón Alfil
Biografía de Jacopo Sipari de Pescasseroli
Director de orquesta italiano. En enero de 2020 ganó el PREMIO ESPECIAL DE ÓPERA DE ORO para la Nueva Generación de los OSCARS OF OPERA como uno de los directores más prometedores en el firmamento de la ópera italiana.
Es considerado uno de los mejores intérpretes jóvenes de Giacomo Puccini. Su “Suor Angelica” de Puccini realizada en 2018 para el 100 aniversario con Donata d'Annunzio Lombardi es considerada una de las mejores versiones de los últimos años en Italia.
Nacido en L'Aquila el 5 de noviembre de 1985, a la edad de 22 años también se graduó en Derecho, y hoy es abogado en prácticas en Roma y Profesor Asistente de Derecho Penal en la Universidad "Roma Tre"; también es Doctor en Derecho Penal, Procesal Civil y Derecho Canónico con especialidad en lengua latina, y actualmente es el abogado más joven del Tribunal Apostólico de la Rota Romana. Graduado con la máxima calificación y honores en dirección orquestal en el Conservatorio "Tartini" de Trieste bajo la dirección de Marco Angius, estudió Composición Experimental con Mauro Cardi y Canto con Maria Chiara Pavone, graduándose en el Conservatorio de Música "Casella" de L'Aquila.
Si hay una ocasión propicia para amar la música no es otra que la de escuchar la obertura de la ópera Parsifal, de Richard Wagner. La calma se encuentra en el centro de esta pieza musical, para encontrarla tan sólo hay que estar distante de cualquier periferia mundana y escuchar... Este preludio se aleja del bravío e indomesticable Wagner para mostrarnos su cara oculta más espiritual y delicada.
La anécdota y el capricho del destino
El músico y humanista Ramón Gener, tal como cuenta en 'Un viaje por el arte y la música a través de las emociones', compró una partitura de Parsifal el 1 de noviembre de 1991 en Hamburo y, desde entonces, cada día de su vida, la lleva en una mochila que le acompaña allá donde va, "no está en casa con mis otras partituras, está siempre en mi mochila, para que pueda acceder a ella en cualquier momento".
Gener dejó la música por dos veces en su juventud y antes de ser atrapado por tercera vez, durante todo ese tiempo en el que estuvo alejado de la música, "Parsifal y el motivo de la búsqueda del Grial me estuvo acompañando todos los días. Y yo, todos los días antes de irme a dormir, escuchaba esto [...] El Grial me vino a buscar a mí, me salvó la vida y me sirvió para pensar en el propósito, en el '¿qué?'".
El Adagio para cuerdas (1938) es una obra musical de las que me llevaría a una isla desierta sin dudarlo. Samuel Barber, su compositor, lamentó siempre que su creación fuera asfixiada en funerales y recordatorios. No pudo luchar contra esa corriente, era más impetuosa que su propio estímulo de respuesta. Hasta tal punto llegó su obsesión que, según Almudena Martín Castro, "Barber pidiese excluirlo de su propio funeral. Carlo Menotti, su pareja de toda la vida, se aseguró de que así fuera: durante la ceremonia sonaron corales de Bach, otras obras de música vocal de Barber, un madrigal del propio Menotti… ni rastro del Adagio".
El Adagio para cuerdas es un itinerario constante de elevación del espíritu en el espacio, una línea continua armoniosa, dulce... Su encasillamiento necrológico es un grave error.
Ramón Alfil
Una noche de verano en Viena es el mejor escenario para escuchar el adagio de Barber. Interpreta la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Gustavo Dudamel y con la pianista Yuja Wang como solista.
Detalles y caprichos del Adagio para cuerdas, de Samuel Barber
En enero de 1938, Barber envió la pieza a Arturo Toscanini. El director devolvió la partitura sin comentarios, y Barber se molestó y evitó a este director. Posteriormente, Toscanini hizo saber a Barber, a través de un amigo, que tenía previsto interpretar la obra y que la había devuelto por el simple hecho que ya la había memorizado.
En 2004, la obra maestra de Barber fue elegida como la «obra clásica más triste», por los oyentes del programa BBC's Today.
La pieza acompañó el anuncio radiofónico de la muerte de Franklin Delano Roosevelt y también una ceremonia celebrada en el World Trade Center para conmemorar la pérdida de miles de personas en los ataques del 11 de septiembre de 2001.
Con una nota de su pareja Sergio Japino, agradecidamente simple, nos enteramos del fallecimiento de unos de los mitos más grandes de toda la historia de la televisión en España y parte de Latinoamérica: La imponente Rafaella Carrá.
Siempre la he admirado. Sus canciones; su belleza; su talento; pero, por encima de todo; su personalidad. Para mí ha sido de las primeras “influencer” que recuerdo. ¡Cuánto le deben las jóvenes de esta generación, que empieza a conocer el mundo, a esta mujer que se adelantó a su época! Recordemos que ella, después de triunfar en su Italia natal y probar suerte en Hollywood, recaló en España en 1975, justo el año de la muerte de Franco, en el programa “¡Señoras y señores!”. Aires de libertad soplaban en esta patria que se había quedado atrasada, tanto cultural como socialmente, con respecto al resto de Europa. Este país nuestro que pasó de la opresión a la libertad y de la libertad al libertinaje del “todo vale”, en cuestión de segundos y sin anestesia.
Ya, en esos días empezaban a salir voces de transgresión. En el rock de mi adorada Movida Madrileña, en la pintura, en los fanzines subvencionados por el gobierno para construir una sociedad más moderna y pasar página de los capítulos de la dictadura, etc. Que visionario fue Enrique Tierno Galván, alcalde de Madrid. Otro influencer de la época. Rafaella caló en la sociedad española. Se nos ganó a todos. Todavía, casi 50 años después, no he oído a nadie que me dijera que no le gusta “La Carrá”.
Hoy, 13 de mayo de 2021, tenía un motivo suficiente para celebrar una eventualidad mundana carente de espiritualidad pero muy fructífera. Nada mejor que acercarme al mar y escuchar a Beethoven, una pequeñez que funde dos inmensidades. Aconsejo la experiencia a todo aquel que no tenga prisa terrenal.
El mar no tiene caminos pero cuando se fija la vista en él se vislumbran itinerarios que conducen a infinitos. La pieza elegida ha sido una de las más bellas que parió el loco de Bonn: el tercer movimiento de la Novena Sinfonía. ¡Qué animal componiendo! El olor a mar, la única visión de su inmensidad, el paréntesis a la vida que te dan unos auriculares, estar con uno mismo y el idilio con la pieza son fundamentos que explosionan en una corriente impetuosa de apacible calma. ¿Hay mejor celebración?
Ramón Alfil
Los 17 minutos de Beethoven que escuché mirando al mar
La música nos envuelve desde antes de nacer, los bebés que todavía se encuentran en el vientre materno ya pueden escuchar, además de la voz de su madre mientras canta, la música que ella misma escucha. Las nanas nos acunan desde la más tierna infancia. El abecedario y las tablas de multiplicar se aprenden mejor si son entonadas y rítmicas. Nos reconocemos en nuestro grupo de amigos durante la adolescencia a través de nuestros artistas preferidos. Elegimos una canción para nuestro primer amor y otra para nuestro primer adiós. La música crece con nosotros y nosotros crecemos a través de ella como personas, en la música como en la VIDA todo está relacionado.
Las composiciones musicales generan cambios fisiológicos en nuestro sistema nervioso autónomo tales como: amplifica la sensación cutánea, baja la temperatura corporal, el ritmo del corazón aumenta, la respiración se acelera… a nivel cerebral produce sensaciones gratificantes. La experiencia personal ante la misma pieza musical puede ser vivida de forma distinta, da igual el género al que pertenezca, lo que importa es la estructura musical que la conforma. El disparador de nuestras emociones tiene que ver con la introducción de un instrumento nuevo en la composición o cuando el volumen se atenúa o acentúa de forma imprevista, como elemento sorpresa. Es ante este hecho que el núcleo accumbens se vuelve más activo, llegando a liberar neurotransmisores como la Dopamina, conocida como la hormona de la Felicidad, de forma natural en el torrente de nuestra actividad cerebral.
Enrique Granados: “En Goyescas he concentrado toda mi personalidad: me enamoré de la psicología de Goya y de su paleta; por lo tanto, de su maja, señora; de su majo aristocrático; de él y de la duquesa de Alba, de sus pendencias, de sus amores, de sus requiebros; aquel blanco rosa de las mejillas, contrastando con las blondas y terciopelo negro con alamares; aquellos cuerpos de cinturas cimbreantes, manos de nácar y carmín, posadas sobre azabaches, me han trastornado”. Carta a Joaquín Malats.
El éxito del estreno en el "Met" de Goyescas llevó indirectamente a la muerte de Granados. Fue invitado por el presidente Woodrow Wilson para que interpretase un recital de piano en la Casa Blanca, lo que hizo que pospusiera su regreso a España. Granados y su esposa perdieron la vida el 24 de marzo de 1916 cuando su barco, el vapor francés Sussex, fue torpedeado por un U-boat alemán en el Canal de la Mancha.
Hans Zimmer cuenta en su haber con una llamativa banda sonora que uno no puede dejar de tararear cuando empieza a sonar: Piratas de Caribe.
El compositor alemán ha desarrollado un estilo propio que enriquece cada película en la que interviene. Suya es la música, entre otras, de Gladiator, Interstellar, El Rey León o Batman.
He encontrado esta versión de la violinista estadounidense Taylor Davis en la que un escenario de contrastes como es el mar embravecido y la delicadez de un violín cautivan al más pintado.
Como un lobo de mar en una posada cabe decir aquello de ¡ron para todos! y... que suene la música.
El compositor y productor Javier Quilis (Alzira, 1974) lanzó al mercado discográfico en 2017 su primer CD titulado genéricamente “A Dream Come True” (Un sueño hecho realidad). Este ambicioso proyecto fue grabado con más de 60 músicos de la Budapest Symphony Orchestra en los Tom Tom Estudios de Budapest (Hungría). El disco contiene un total de once temas más un tema adicional (bonus track) en el que el compositor hace un repaso a algunas de sus composiciones orquestales/instrumentales creadas en estos últimos diez años y nuevos temas inéditos. Javier resumía así este trabajo: “Este disco nace de un sueño: grabar mi música con una orquesta sinfónica. Por un lado quería escuchar mis composiciones tal y como siempre las imaginé en mi mente, pero también quería conocer cómo se realiza una grabación a este nivel con unas características de producción bastante complejas”. Me siento un privilegiado de poder haber podido cumplir este sueño”.
El reconocimiento a su trabajo le ha valido varios premios en Estados Unidos como ocho nominaciones a los Hollywood Music in Media Awards en la ciudad de Los Ángeles o la medalla de bronce en los Global Music Awards de San Diego.
Entre las distintas composiciones del disco podemos destacar “El Monasterio de La Murta”, tema que abre el CD y que está dedicado al cenobio de Santa María de la Murta (Siglos XIV y XV) de la localidad valenciana de Alzira (su ciudad natal). El compositor se inspira en el misticismo y la singularidad del lugar para evocarnos la belleza del enclave bañado por los primeros rayos de sol.
Andris Nelsons: "Dios bendijo a los grandes compositores
para hacer de este mundo un lugar mejor"
El 1 de enero de 2020 Andris Nelsons dirigió el célebre Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena, que cumplía su 79 edición en su tradicional ubicación: la Sala Grande o Sala Dorada (Große Saal o Goldener Saal) de la Sociedad Musical, el Musikverein, de la capital austríaca.
Woody Allen... Este extravagante y chiflado hombrecito me hace feliz, sus reflexiones sobre la vida y su ininterrumpida genialidad lo han convertido en un singular personaje.
Hay una estrecha relación entre la música y Woody Allen, hasta el punto de preferir ir a tocar el clarinete a un bar de Nueva York antes que presentarse a recoger el Óscar a su película Annie Hall.
Forma parte de la New Orleans Jazz Band con la que recorre esos entrañables cafés que nos remontan a aquellos años dorados de Nueva York.
No puedo evitar sonreír cada vez que veo su cachaza aguantando el clarinete con una mano y con la cabeza reclinada, que más parece estar dando una cabezada que a la espera del compás que le indique que vuelve a formar parte de la pieza musical.
El vídeo de hoy (todo un acierto que sea en blanco y negro) es de una actuación en directo ante unas 40 o 50 personas en el Carlyle Cafe, no suele actuar en macroescenarios ni ante mucha gente. Quiero destacar, a partir del minuto 6, la improvisación de ponerse a cantar con su compañero mientras limpia el clarinete y su particular forma de ponerse el jersey. A la próxima que me vista con uno voy a intentarlo.
1492: la conquista del paraíso (titulada 1492: Conquest of Paradise en inglés) es una película de género épico y dramático de 1992 dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Gérard Depardieu, Armand Assante y Sigourney Weaver. La trama relata el viaje realizado por el explorador genovés Cristóbal Colón hacia las Indias Occidentales en 1492, que le llevó al Descubrimiento de América el 12 de octubre de ese año. La película igualmente destaca la relevancia y el efecto que tuvo el encuentro de estos «dos mundos» sobre los pueblos originarios durante los primeros años de la conquista. La película fue estrenada por Paramount Pictures en conmemoración al 500.º aniversario de la llegada de Colón a América. Leer toda la reseña.
Si alguna música puede representar al épico viaje de Cristobal Colón no es otra que esta banda sonora compuesta por Vangelis que aparece hoy por el ateneo. Sobrecoge el magno despliegue de voces.
